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Quelques DVD plus ou moins gay et visibles pour des ados 2

Publié par Joannic Arnoi Dimanche, 10 Juin 2007

Le travail ci-dessous et les deux posts analogues ont été conçus pour des lecteurs adolescents et pour leurs parents.
Pour réaliser la liste, il m'a fallu tenir compte des autorisations légales et de plusieurs critères de choix. J'ai mis une note allant entre o (mauvais) et ***** (très grand chef d'oeuvre). Pour l'instant n'y figurent que des films que j'apprécie. Voici ceux qui sont interdits au moins de 12 ans. Ailleurs on trouvera ceux qui sont « tous publics » ou interdits au moins de 16 ans.

DVD à contenu gay & lesbien pouvant être vus par des adolescents

Films classés « interdit au moins de 12 ans »

Un Amour à taire (2004)

de Christian Faure (Fr)
Avec Jérémie Rénier (Jean), Bruno Todeschini (Philippe) et Louise Monot (Sara)

« Sarah, Jean et Philippe ont entre vingt et trente ans, en ce printemps 1942. Sarah est juive. Elle aime Jean mais Jean est homosexuel. Il est amoureux de Philippe. En cette période d'occupation où toutes les règles sont abolies, ils sont tous les trois habités par le même désir : survivre. Jusqu'au jour où, Jean accusé à tort d'être l'amant d'un officier, est déporté par les nazis. C'est le début de sa descente aux enfers sous le signe du triangle rose... ».

Ce joli téléfilm, remarquablement interprété et historiquement irréprochable, doit certainement son classement (interdit au moins de 12 ans) aux scènes « concentrationnaires », qui sont assez désespérantes. Pour le reste, il n’y a rien de bien choquant dans cette romance à trois sous l’Occupation. La projection télévisuelle a eu un grand succès, ce dont tout gay qui se respecte ne peut que se réjouir. Alors, bien entendu, c’est un film inscrit dans un certain nombre de conventions du « film à costume pour petit écran ». Mais pourquoi bouder le plaisir que cette histoire toute en nuances procure ?

Comme un garçon (Get Real) (2000)

de Simon Shore (U. K.)
Avec Ben Silverstone (Steve), Brad Gorton (John) et Charlotte Brittain (Linda)

Comme un garçon est l'un des films gays les plus touchants qu'il m'ait été donné de voir, avec ce sens du social qui fait la magie des films anglais. Il est question d'un garçon de seize ans, Steve, confronté à l'homophobie profonde de l'Angleterre provinciale et à son désir de braver la réprobation générale pour vivre pleinement ce qu'il est. Il vit une passion réciproque avec un garçon, John, qui serait prêt à tout sacrifier pour sauver sa respectabilité. Le film est porté à bout de bras par Ben Silverstone dans le rôle de Steve, drôle, subtil, touchant (sans parler de son regard limpide). L'humour qui irrigue le film, autant lié à l'esprit acéré du personnage qu'aux situations burlesques, est plus qu'un ingrédient vendeur : il permet de faire passer tout ce qui pourrait être embarrassant ou un peu trop triste. Par la force des problèmes qu'il évoque et le caractère universel de ses références, ce film mériterait d'être vu par tous les publics, notamment dans les lycées, à des fins d'éducation civique. Et je ne comprends pas son classement, alors que des films bien plus crus ou explicites ont le label "tous publics".

Dernier été à New Ulm (The Toilers & the Wayfarers, 1995)

de Keith Froelich (USA)
Avec Matt Klemp (Dieter), Andrew Woodhouse (Philip) et Ralf Shirg (Udo)

Ce film à petit budget, tourné en noir et blanc, est une bonne surprise, dans la déferlante de soaps U. S. que les maisons d'édition nous proposent sous prétexte de gaytitude. L'histoire commence il y a quelques décennies, dans une communauté rurale germanophone des Etats-Unis. Dieter et Phillip sont deux copains inséparables, jusqu'au jour où ce dernier se fend d'une déclaration d'amour qui n'est pas très bien reçue. Mais Dieter est bouleversé. Alors que son ami torturé s'évade vers la ville, il demeure à New Ulm, désemparé, incapable de faire un choix. Sur ces entrefaites débarque d'Allemagne Udo, garçon désoeuvré apparemment incapable de se prendre en charge, mais à certains égards plus sûr de son identité. A son contact, Dieter va accomplir le chemin sentimental qui le ramènera vers Philip. L'angle par lequel le film évoque l'homosexualité n'est en rien standard et semble avoir des résonances autobiographiques. L'histoire est à la fois simple et compliquée. Il y a une justesse de ton et un tact dans la mise en scène qui sont tout à fait appréciables. Un bon film.

On trouve une substantielle interview du réalisateur (en anglais) ici. Il y est beaucoup question du casting et de la trajectoire des acteurs, entre un acteur pro hétéro venu faire un numéro de composition / tour de force (Matt Klemp) et un jeune militant gay très proche de son personnage (Andrew Woodhouse).

Edge of Seventeen (1998)

de David Moreton (USA)
Avec : Chris Stafford (Eric Hunter), Tina Holmes (Maggie), Anderson Gabrych (Rod)

« Sandusky, Ohio, 1984. Eric, un adolescent naïf de 17 ans, découvre prograssivement son attirance pour les garçons. Dans le même temps, il a du mal à définir ses relations avec Maggie, sa petite amie. L'un et l'autre travaillent dans un restaurant de parc d'attraction où il croisera Rod, sa première aventure avec un homme. »

Le scénario de ce coming of age movie a été écrit pas Todd Stephens (VIP du cinéma gay américain, et récent auteur de Another Gay Movie) sur la base de ses souvenirs de jeunessse. Rien à voir pourtant entre les deux films : Edge of Seventeen est une jolie histoire douce-amère, avec des décors un peu "marron" (mais c'est l'époque où ça se passe qui le voulait !).

L’Homme Blessé (1983)

de Patrice Chéreau (Fr)
Avec Jean-Hugues Anglade et Vittorio Mezzogiorno
« Henri, adolescent, s'ennuie. Accompagnant sa soeur à la gare il rencontre Jean, un homosexuel, qui le pousse à commettre un acte de violence sur un inconnu. Immédiatement, il éprouve une immense passion pour cet homme qu'il décide de suivre... »

Je l’ai visionné mais n'ai pas encore trouvé le temps de rédiger une analyse.

L'Imposteur (2005)

de Christoph Hochhaüsler (Allemagne).
Avec : Constantin von Jascheroff (Armin Steeb), Victoria Trauttmansdorff (Marianne Steeb), Manfred Zapata (Martin Steeb)
« Armin, 18 ans, est témoin d'un accident de voiture mortel. Il s'accuse, sans raisons, dans des lettres anonymes qu'il envoie aux journaux. Ce qui n'était qu'un jeu vire à l'obsession. »

Ce deuxième film de Christoph Hochhaüsler (après Le Bois lacté) est une sorte de cauchemar éveillé, dans lequel les frontières entre réalité et fantasmes sont étrangement poreuses. La sexualité d'Armin fait partie de ces domaines dans lesquels le personnage semble complètement égaré, incapable de raccorder ses dires et ses actes.
J'en parlerai davantage quand je l'aurai re-visionné (la séance de cinéma est un peu loin), mais c'est un excellent film.

Ma vraie vie à Rouen (2002)

d’O. Ducastel et Jacques Martineau (Fr)
Avec Jimmy Tavares (Étienne)

« Pour filmer ses entraînements de patinage artistique, la grand-mère d'Etienne lui offre un caméscope. L'adolescent se met alors à enregistrer sa vie quotidienne avec ses amis et sa mère, à Rouen, sans voyeurisme, par jeu et pour se constituer des souvenirs. S'il s'intéresse de près à un de ses professeurs, c'est, croit-il, parce qu'il serait un compagnon idéal pour sa mère. La relation qui s'installe entre eux lui donne rapidement raison, mais lui fait aussi découvrir que son propre désir était plus ambigu qu'il ne le croyait. » (jaquette du DVD)

La Mauvaise éducation (2004)

de Pedro Almodovar (Espagne)
Avec Gael Garcia Bernal, Fele Martinez, Daniel Gimenez Cacho

« Deux garçons, Ignacio et Enrique, découvrent l'amour, le cinéma et la peur dans une école religieuse au début des années soixante. Le père Manolo, directeur de l'institution et professeur de littérature, est témoin et acteur de ces premières découvertes. Les trois personnages se reverront deux autres fois, à la fin des années 70 et en 1980. Cette deuxième rencontre marquera la vie et la mort de l'un d'entre eux. »

Ce fim m'a absolument bouleversé quand il est sorti en salle. J'aime Almodovar en général, mais là, j'ai trouvé qu'il montait deux crans au-dessus de ses autres films. D'abord, il n'a jamais fait un film aussi sophistiqué et aussi maîtrisé : on dirait un Kubrick hispano-gay. Et puis ces trois histoires emboîtées les unes dans les autres, quelle virtuosité ! Le plus étonnant, c'est qu'on peut aussi voir le film sans se prendre la tête sur sa forme. Car l'histoire d'Enrique et Ignacio, ça vous déchire l'âme. Le bonhomme Almodovar a réussi à faire à la fois un film universel, accessible à tous, et son oeuvre la plus personnelle, la plus formellement aboutie. En tant que gay, c'est de toute sa production l'oeuvre qui me touche le plus. Et puis il faut bien dire que Gael Garcia Bernal et Fele Rodriguez sont rayonnants !

Presque rien (2000)

de Sébastien Lifschitz (Fr)
Avec Jérémie Elkaïm (Mathieu) & Stéphane Rideau (Cédric)

« Deux garçons de 18 ans, Mathieu et Cédric, se rencontrent, se désirent et cèdent à leurs pulsions. Ce pourrait être une simple aventure de vacances, mais leur relation prend de l'ampleur et se transforme avec le temps, en un véritable amour... »

Presque rien est un film sec et âpre. Sur le thème éculé de l’amour de vacances, Sébastien Lifschitz rebat complètement les cartes et nous offre un film à la fois beau et peu amène. Les personnages sont loin d’être transparents : ni Cédric, un peu canaille, ni surtout Mathieu, qui lors des premières scènes émerge d’une tentative de suicide. Le cinéaste a semble-t-il voulu conserver de nombre zones de mystère dans la psychè des personnages, et c’est plutôt une bonne idée. Ça évite les blablas du film psychologique. La construction narrative est également loin des facilités du récit linéaire. À des lieux d’un cinéma gay mièvre et conformiste, Sébastien Lifschitz confirmait pour son premier long métrage qu’il est un cinéaste doué et prometteur.À signaler une scène de sexe très explicite qui pourrait choquer.

Tout contre Léo (2001)

de Christophe Honoré (Fr)
Avec Yaniss lespert (Léo), Pierre Mignart (P’tit Marcel), Marie Bunel

« Dans une famille, où les quatre garçons font le bonheur de leurs parents, la séropositivité de l’un d’entre eux, Léo, fait tomber les masques et soulève des tempêtes. Léo tente de préserver Marcel, son petit frère de 12 ans, mais celui-ci se doute bien de la menace qui plane sur l’équilibre familial. Avant qu’il ne soit trop tard, Léo décide d’emmener Marcel quelques jours à Paris. Christophe Honoré signe un film âpre et émouvant sur la place de l’homosexualité et de la maladie au sein d’une famille unie. » (adventice.com)

Lecteur fidèle de s romans jeunesse de Christophe Honoré mais un peu déçu par le réalisateur de 17 fois Cécile Cassard, j'attendais avec curiosité de pouvoir visionner l'adaptation de Tout contre Léo. Des trois films de notre auteur, c'est à ce jour celui que je préfère. La dimension de commande télé impose une sobriété émotionnelle qui me ravit, après l'épreuve que furent les dernières oeuvres, tant littéraires que filmiques, dudit C. Honoré. Loin de la course à la cruauté, "Tout contre Léo" est un beau film d'amour, de tendresse, mais qui ne verse pas non plus dans la complaisance. L'interview du réalisateur en bonus est très riche.
Je n'ai vu nulle part de classement, mais à la différence des romans dont il est tiré, ce téléfilm ne me semble pas conseillable à de jeunes adolescents.

Transamerica (2005)

de Duncan Tucker (Etats-Unis)
Avec Felicity Huffman (Bree) et Kevin Zegers

« Bree travaille jour et nuit pour pouvoir payer l'opération qui fera d'elle une véritable femme. Contactée de façon complètement inattendue par un adolescent fugueur à la recherche de son père, elle ne tarde pas à comprendre qu'il s'agit du fils qu'elle a eu autrefois d'une liaison sans lendemain, alors qu'elle était encore un homme. Son premier réflexe est de tirer une croix sur son passé, mais sa psychothérapeute exige d'elle qu'elle rencontre ce jeune homme avant de lui délivrer l'autorisation d'intervention chirurgicale dont elle espère tant... »

Commentaire à venir

My Beautiful Laundrette (1984) de Stephen Frears (vu, pas encore mis en fiche)
Prick up Your Ears (1986) de Stephen Frears

Tu marcheras sur l’eau (2005) d’Eytan Fox (Israël)

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Quelques DVD plus ou moins gay et visibles pour des ados 1

Publié par Joannic Arnoi Dimanche, 10 Juin 2007

Chic ! encore une liste ! J'ai vraiment fait ce travail pour des lecteurs adolescents et pour leurs parents.

Pour réaliser celle-ci, il m'a fallu tenir compte des autorisations légales et de plusieurs critères de choix. J'ai mis une note allant entre o (mauvais) et ***** (très grand chef d'oeuvre). Je vais en établir deux autres : une concernant les films interdits au moins de 12 ans, et une autre pour ceux interdits au moins de 16 ans. Il n'est pas question pour moi de sortir des clous de la loi.

DVD à contenu gay & lesbien pouvant être vus par des adolescents
Films classés « tous publics »

Les Amitiés particulières (1964)

de Jean Delannoy (Fr)
Avec Francis Lacombrade et Didier Haudepin

Adaptation particulièrement chaste et éthérée du roman éponyme de Roger Peyrefitte. Le ton peut sembler extrêmement désuet aujourd’hui, mais à l’époque le film avait été interdit aux mineurs (alors qu’il n’y a même pas de baiser). Le réalisateur et le scénariste sont ceux-là même que la nouvelle vague vilipendait, notamment dans le célèbre article de François Truffault, "Un certain cinéma français". Avec un recul de 40 ans, on se dit qu'il n'y avait ici rien de si indigne, et même une forme de courage.

Les Amoureux

de Catherine Corsini (Fr)

Avec Pascal Cervo (Marc) et Nathalie Richard (Viviane)

Après des années d’absence, Viviane revient dans son patelin des Ardennes. Elle renoue avec son petit frère, Marc, qui est en pleine affirmation de son homosexualité. Le frère et la sœur partent dans une longue escapade où ils vont essayer de se retrouver. Le récit de leur errance, de fête glauque en rencontre improbable avec des ouvriers polonais, confronte intelligemment la fuite en avant de Vivianne et les désillusions de Marc. Pascal Cervo faisait alors ses débuts à l'écran (on l'a revu récemment, magnifique, dans Le Dernier des fous de Laurent Achard). Les Amoureux ressemble étonnament à un film social anglais un peu fauché. Un film attachant, au ton profondément juste.

Beautiful Thing (1996)

de Hettie MacDonald (UK)
Avec Glen Berry (Jamie), Scott Neal (Ste) et Linda Henry (la mère de Jamie)

Un classique du film de coming out. Dans la banlieue de Londres, Jamie subit le harcèlement perpétuel de ses pairs, qui le soupçonnent d’être gay. Seul un garçon, Ste, et une fille, Leah, sont amis avec lui. Sa mère fait tout son possible pour lui rendre la vie plus facile, mais c’est dur pour lui. Jusqu’au jour où quelque chose se passe avec Ste…
Le film ressemble davantage à un bon feuilleton qu’à un grand mélo classieux, mais les acteurs sont irréprochables. Je préfère nettement Get Real (Comme un garçon) dans un genre similaire.

Billy Elliott (2000)

de Steven Daldry (UK)
Avec Jamie Bell (Billy), Julie Walters (Mrs Wilkinson), Stuart Wells (Michael)

Est-il besoin de présenter ce film splendide racontant l’histoire d’un garçon de onze ans qui veut devenir danseur ? Billy Elliott est plus qu'un chouette film anglais de plus : grâce au talent et à la grâce de Jamie Bell, les scènes de danse atteignent l'émotion pure. Le réalisateur fait davantage que filmer un gamin qui danse, il capte un rien en plus, joie, transe. Filmer l'art au-delà d'une mise en image un peu plate et suggérer quelque chose est chose rare. L'humanité du point de vue est rassérénante et la chorégraphie finit par déborder les scènes de genre pour donner à l'ensemble la dimension d'un ballet. C’est un poème visuel, qui enlace un destin singulier (celui de Billy) avec l’Histoire (on est en pleine époque thatchérienne). Autre contrepoint, celui qui oppose la vie rude des mineurs en grève et l'univers protégé de la danse. Le meilleur ami de Billy, Michael, est un garçon on ne peut plus sensible, et qui aime mettre des tutus. Les acteurs sont épatants, notamment la grande Julie Walters et Jamie Bell, qui a fait une très belle carrière depuis.

Breakfast on Pluto (2005)

de Neil Jordan (Eire)
Avec Cillian Murphy (Kitten) et Liam Neeson

Irlande du Nord, années 1970 : terrorisme et répression policière s’entremêlent, à la limite de la guerre civile. Dans ce contexte dérangé, Kitten tente de mener sa barque de jeune transsexuel, assez peu concerné par le nationalisme, mais amouraché d’un soldat de l’IRA. On le (la) suit dans des péripéties innombrables, jusqu’à son installation à Londres. Breakfast on Pluto est un film inclassable, mélangeant la comédie camp et un souffle historique. Surtout, le réalisateur a évité les lourdeurs d'un film "sur" de brûlants sujets. A l'image de la légèreté aérienne de Kitten, le film déjoue la tragédie d'un battement d'aile de papillon. La performance d’acteur de Cillian Murphy est absolument à couper le souffle.

Les Chansons d'amour (2007)

de Christophe Honoré (Fr).
Avec Louis Garrel (Ismaël), Ludivine Sagnier (Julie), Clothilde Hesme (Alice) et Grégoire Leprince-Ringuet (Erwann)

J'ai parlé abondamment de ce film dans un post spécifique. Qu'il me suffise de rappeler que cette comédie musicale sur les traces de Demy et de Jeanne et le garçon formidable est sans doute le film le plus abordable à ce jour de Christophe Honoré. La deuxième partie (le deuil) est un peu un ton en-dessous du reste, et d'aucuns ont pu se plaindre des longueurs (au début) ou de l'inspiration inégale. Mais la romance entre Ismaël et Erwann demeure une pure merveille.

Clara cet été là (2001)

de Patrick Grandperret (France)

Avec Selma Brook (Clara), Stéphanie Sokolinski (Zoé), Salomé Stévenin (Sonia)

Clara et Zoé sont les meilleures amies du monde. Dans le courant de l'été, elles partent faire un stage de voile. Elles font partie d'un groupe qui ne brille pas par son ouverture d'esprit. et qui les traite assez mal. Néanmoins, Zoé se rapproche d'un des garçons, Sébastien, après un épisode ambigu durant lequel elle s'est déclarée amoureuse de Clara. Celle-ci, un peu délaissée, est fascinée de son côté par Sonia, une fille différente, qui se tient soigneusement à l'écart. Mais s'avouer à elle-même qu'elle est plutôt attirée par les filles n'est pas sans lui poser problème...

Ce film inédit en salles est une bonne surprise, par son regard nuancé et sans complaisance sur l'adolescence. Les acteurs sont dans l'ensemble très bons et tout particulièrement le trio de filles.

C.R.A.Z.Y. (2005)

de Jean-Marc Vallée (Canada)
Avec : Marc-André Grondin (Zacharie Beaulieu), Michel Côté (Michel Beaulieu), Danièle Proulx (Laurianne Beaulieu)

Phénomène de société au Québec, succès en France, C.R.A.Z.Y. est l’une de ces comédies douces-amères dont les réalisateurs québécois ont le secret, des Plouffes au Déclin de l’empire américain. Comme l’a confié Jean-Marc Vallée, il s’agit plus ou moins d’un film autobiographique, qui raconte comment le quatrième rejeton d’une fratrie québécoise a réussi en un temps très long à s’accepter comme homosexuel et à se faire aimer comme tel par son père.

C.R.A.Z.Y. est un film un peu dingo, au montage ultra-rapide, qui traverse 20 années du Québec et du monde. Le tempo est à la fois à l’origine du comique extravagant de l’histoire et l’une de ses limites, car on est parfois à la limite du foutraque. Le cinéaste a mis un soin tout particulier dans les décors, costumes, musiques, etc., ce qui donne au film un cachet assurément rétro.

Crustacés et coquillages (2005)

d’O. Ducastel et Jacques Martineau (Fr)

Avec Gilbert Melki, Valeria Bruni-Tedeschi, Edouard Collin…

« C'est l'été. Marc emmène sa famille au bord de la Méditerranée dans la maison où il passait ses vacances quand il était adolescent. Béatrix, son épouse, doit partager son temps entre sa famille et son amant exigeant, venu la rejoindre. Leur fille Laura, 19 ans, attend avec impatience l'arrivée de son petit copain motard qui l'emmènera vers d'autres rivages. Leur fils Charly reçoit Martin, son meilleur ami, dont Béatrix et Marc ne tardent pas à comprendre qu'il est homosexuel. Ils en tirent un peu rapidement des conclusions concernant les préférences sexuelles de leur fils... » (présentation officielle)

Avec cette comédie badine, O. Ducastel et J. Martineau ont réalisé un film plaisant et enlevé. Ils s’ingénient à brouiller toutes les cartes et à jouer avec les codes du vaudeville. À l’arrivée, leur film est un hymne à la liberté sexuelle, servi par une brochette d’acteurs absolument époustouflants. C’est le film qui a révélé Édouard Collin.

Le Dernier des Fous (2006)

de Laurent Achard (Fr)
Avec : Julien Cochelin (Martin), Pascal Cervo (Didier), Annie Cordy (la grand-mère)

« C'est l'été et le début des vacances pour Martin, onze ans, qui vit dans la ferme de ses parents et observe, désemparé, la désintégration de sa famille. » Ce film de Laurent Achard est un drame extrêmement sombre. Martin le mutique observe ses proches sombrer : sa mère (Dominique Reymond) vit claustrée dans sa chambre, son grand-frère homo (Pascal Cervo) est abandonné par son amant (qui veut se marier), sa grand-mère veut surtout sauver les apparences et vendre la ferme familiale... L'enfant semble stoïque, mais c'est qu'à la façon d'un animal il se blottit dans sa coquille (une gangue de silence ?), incapable d'affronter la peur qui imprène le quotidien.
Bien que n'ayant fait l'objet d'aucune limite d'audience, ce film me semble clairement destiné à un public averti de sa violence terrible (et inexpliquable).
Sur le jeu de Pascal Cervo, le réalisateur Laurent Achard a dit : « [....] je savais que c’était un acteur extraordinaire, mais ce qu’il parvient à faire dans ce film m’a complètement époustouflé. Par son jeu intense, concentré, jamais dans le calcul, et pourtant toujours parfaitement mesuré, il est parvenu à donner à son personnage à la dérive une ampleur si désespérée, si tragique que ma perception du rôle en a été transformée : en devenant le contrepoint parfait de Martin, les deux frères étaient désormais inséparables comme les deux faces d’une même médaille. »

Dix-sept fois Cécile Cassard (2002)

de Christophe Honoré (Fr)
Avec Romain Duris (Mathieu) et Béatrice Dalle (Cécile)

Deuxième film de Christophe Honoré, le premier pour le cinéma, Dix-sept fois Cécile Cassard raconte une histoire d’amitié peu ordinaire entre un jeune homosexuel, Mathieu, et une jeune veuve, Cécile Cassard. Dans ce compagnonnage inhabituel, la jeune femme retrouve peu à peu le goût de vivre, tandis que Mathieu trouve un nouveau sens à sa vie.
Nourri par une expérience autobiographique, ce film est un peu maladroit et étouffant. Je n’aime pas trop Romain Duris, donc mon jugement n’est pas non plus très objectif.

L'Éveil de Maximo Oliveiros (2005)

d'Auraeus Solito (Philippines)
Avec : Nathan Lopez (Maxi) et JR Valentin (Victor)

Dans les quartiers populeux de Manille, Maximo (Maxi) vit avec son père et ses frères. Le gamin va à l'école, tandis que ses proches participent à des trafics divers. Il a en quelque sorte pris la place de sa mère dans l'exécution des tâches domestiques, aspect parmi d'autres d'une identité de genre pour le moins féminine. Pour autant, sa gentillesse et enthousiasme (assez queer) en font une figure appréciée du quartier. Le cours du destin change quand Victor, un policier incorruptible, commence à mettre son nez dans les business du quartier. Le gamin tombe amoureux de lui, passion impossible qui va changer son existence, ponctuée de drames.
C'est non seulement un grand film social dans la tradition du néo-réalisme (italien ?!), mais aussi un petit joyau queer au jeu de couleurs explosif, qui joue sur le mélange des genres (comédie, drame, romance). Il n'est réductible à aucune de ses dimensions, pas même à l'aspect "film d'apprentissage" (qu'il a indubitablement). Nathan Lopez est impressionnant de naturel dans le rôle de Maxi.

Fücking Åmål (1998)

de Lukas Moodysson (Suède)
Avec Alexandra Dahlström et Rebecca Liljeberg

« Difficile d'être adolescent à Amal... Pour Elin, la plus populaire et délurée du lycée, les week-ends riment avec cuites répétées et flirts sans lendemains. Agnès elle, n'a pas d'amis car jugée trop "différente". Mais par le jeu d'un mauvais hasard elles vont se rencontrer et leurs vies vont prendre un nouveau virage, jonchées de libertés, de désirs nouveaux et d'amour... Le producteur de Dancer in the dark nous livre avec Fucking Amal un portrait juste, pudique et intelligent sur l'adolescence en évitant avec brio les poncifs inhérents à ce genre de fiction. Succès critique unanime et acclamé par le public, il fait parti de ces films que l'on n'oublie jamais, un peu comme certaines étapes de notre adolescence. » (dossier de presse)

Commentaire personnel toujours pas rédigé (il faudrait que je revisionne le film), mais

Furyo (1983)

de Nagisa Oshima (Japon)
Avec Ryuichi Sakamoto (capitaine Yonoï), David Bowie (Jack Celliers) et Beat Takeshi (Sergent Hara)

Adapté du fabuleux roman de Laurence van der Post, La graine et le semeur (The Seed and the Sawer), Furyo est un très grand film de Nagisa Oshima. Il se passe dans un camp de prisonniers tenu par les japonais pendant la deuxième guerre mondiale. Le capitaine Yonoï fait régner la terreur aussi bien parmi ses propres troupes que sur les centaines de captifs anglais. Mais l’arrivée d’un nouveau détenu, le major Jack Celliers, va changer la donne. Doté d’un courage hors du commun, il tient tête aux geôliers, attirant sur lui la fascination du ténébreux capitaine.
Avec sa musique fascinante, ses images sublimes et son souffle épique, Furyo avait conquis le public français à sa sortie, à un moment où David Bowie était au zénith de sa popularité. C’est devenu un classique du film de guerre.

Hush (2001)

de Ryosuke Hashiguchi (Japon)
Avec Seiichi Tanabe (Naoya), Kazuya Takahashi (Katsuhiro) et Reiko Kataoka (Asako)

Naoya est un homosexuel un peu morose, toiletteur pour chiens, à la recherche (évidente) d'une histoire durable. Quand il se réveille avec Katsuhiro à ses côtés, il n'ose y voir plus que l'aventure d'une nuit. Mais ce garçon-là est différent, avec sa candeur désarmante et ses doutes. D'ailleurs, la caméra elle-même l'accompagne dans son existence de laborantin paumé. Naoya est sous le charme, sans trop vouloir espérer. C'est là que survient Asako, une jeune femme instable, pour ne pas dire un peu trash, qui veut concevoir un bébé avec Katsuhiro. Peu à peu, c'est un insolite ménage à trois qui prend forme, non sans remous. Naoya redoute sans cesse que Katsuhiro se détourne, Asako fait des crises et Katsuhiro ne sait comment annoncer à son frère qu'il aime les garçons...

Hush est le troisième film d’un cinéaste japonais intriguant. Alors que les deux précédents avaient un je-ne-sais quoi d'hystérique, celui-ci est d'une splendeur calme, comme si Hashiguchi avait enfin acquis la sérénité. C'est aussi un film drôle, avec des interprètes excellents. J'ai beaucoup aimé.

Loin du Paradis (2002)

de Todd Haynes (USA)
Avec Julienne Moore (Cathy Whitaker), Dennis Quaid (Frank Whitaker), dennis Haysbert (Raymond Deagan)

États-Unis des années 1950. Les Whitaker forment une famille exemplaire, un modèle de rêve américain. Frank Whitaker est un encore jeune businessman à l’avenir brillant. Mais un jour, Cathy découvre que son mari la trompe… avec des hommes. Bouleversée par cette découverte invraisemblable, mais ne voulant pas détruire son couple, elle se découvre un confident et une attention charitable chez son jardinier noir, Raymond. Mais une telle amitié est-elle tolérable dans une Amérique encore ségrégationniste ? Dès les premières images (la caméra descend en spirales comme une feuille morte), la sensibilité et la beauté de cette oeuvre s'impose. Ce bouleversant mélo, filmé à la manière de Douglas Sirk, est le chef d’œuvre inégalé de Todd Haynes, cinéaste ouvertement gay, et ami de Gus Van Sant. J'ai rarement vu des oeuvres aussi belles, simplement dans le traitement des couleurs, des mouvements de caméra (même si Todd Haynes emprunte des idées à ses prédécesseurs des années 1950). Par ailleurs, s'il s'agit bien d'un mélodrame, à aucun moment le trait n'est forcé pour faire pleurer ceux qui ont la larme facile. C'est un film d'une grande dignité, à l'image du personnage incarné par Julianne Moore. Petite réserve peut-être : Loin du paradis est par excellence ce que l'on pourrait appeler un film "historique", dans la mesure où son propos, ses repères, etc., ne font que nous renvoyer aux années 1950 (et à tout le moins en-deça de la fin des années 1960), sans qu'il soit possible de l'extraire de ce contexte pour interroger notre situation actuelle. Un des plus beaux rôles de Julienne Moore.

Ma vie en rose (1997)

d’Alain Berliner (Fr)
Avec Georges du Frêne (Ludovic), Michèle Laroque (Elisabeth Fabre), Jean-Philippe Écoffey (Pierre Fabre)

Les Fabre viennent d’emménager dans une nouvelle maison, dans une « splendide » banlieue pavillonnaire de la région parisienne. Pierre a décroché un nouveau job, et vit au milieu de ses collègues, en face de chez son chef. Les Fabre ont quatre enfants, une fille et trois garçons. L’ennui, c’est que le petit dernier, Ludovic, est convaincu d’être une fille dans un corps de garçon. Peu à peu, les idées singulières de Ludo vont semer le trouble, voire la panique, dans tout le quartier.
Ma vie en rose est une comédie absolument délectable et qui ne tombe jamais dans la vulgarité, sur un sujet qui a produit tant de navets stéréotypés. La satire du conformisme et de la bigoterie sournoise fonctionne comme une bombe à retardement.

Mean Creek (2004)

de Jacob Aaron Estes

Avec Scott Mechlowicz (Marty), Ryan Kelley (Clyde), Rory Culkin (Sam)

Six adolescents embarquent sur une rivière, officiellement pour fêter l’anniversaire du plus jeune, Sam, en fait pour punir George (Josh Peck), un gros balourd violent et antipathique. L’expédition prend une tournure étrange et confuse, puis tourne à la tragédie.
Ce film, que l’on a comparé à Stand by Me de Rob Reiner et à Delivrance de John Boorman est un incontestable chef d’œuvre. Les scènes sur la barque sont d’une grande beauté. Le cinéaste a un sens de la nature sauvage qui rappelle incontestablement Rob Reiner. Mais surtout, Mean Creek est un film à contre-courant de ces thèmes à la mode sur l’adolescence dénuée de tout morale, que l’on trouve chez Gus Van Sant ou Larry Clark. Trait d'union entre L.I.E. de Michael Cuesta et L'autre rive de David Gordon Greene, Mean Creek prend à contrepied l'image du teen américain robotisé, dénué de sens moral, seulement livré à ses désirs de sexe et de mort. Qu'on me comprenne bien : les films que j'associe ici ne sont pas des films moralisateurs, mais des réflexions sur l'éveil de la faculté de juger et la perte de l'innocence. Jacob Aaron Estes nous montre exactement cela : des jeunes confrontés à un grave dilemme et qui décident (pour la plupart) d’y faire face. Cette voie alternative est assez rafraîchissante, car elle corrige une vision assez terrifiante de l'Amérique profonde (souvenons-nous aussi de Gummo d'Harmony Korine ou de Tarnation de Jonathan Caouette).
Pour le reste, Mean Creek est un film d'une beauté picturale intense, le digne héritier de Stand by Me de Rob Reiner, avec cette façon inimitable d'enlacer la nature frémissante et l'adolescence. Il n'y a pas le moindre temps mort dans cette tragédie moderne. Le travail sur les non-dits et les échanges de regards est fabuleux. Les acteurs sont beaux et époustouflants, avec une mention particulière pour Rory Culkin (droopy traversé par mille émotions contadictoires), Josh Peck (fabuleux en gros dégueu malheureux) et surtout Ryan Kelley, ado frêle sans cesse houspillé (« faggot ») et qui oppose à cela une humanité, une douceur et une beauté morale qui sonnent plus que juste. Il excelle dans le rôle de l’ado sensible, élevé par deux gay dads (comme le cinéaste le fut). Il me rappelle (toutes proportions gardées) le personnage de Wil Wheaton (Gordie) dans Stand by Me. Très vivemement recommandé.

La Mort à Venise (1971)

de Luchino Visconti (Italie)
Avec Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach) et Bjorn Andresen (Tadzio)

L’une des rares adaptations au cinéma qui dépasse l’œuvre littéraire dont elle est tirée, en l’occurrence une fastidieuse longue nouvelle de Thomas Mann. De l’œuvre originale, Visconti n’a gardé que le thème de la fascination de l’artiste vieillissant pour un jeune et mystérieux adolescent polonais. Le cinéaste italien a superposé sur cette histoire une évocation de la fin de la vie du compositeur Gustav Mahler. D’ailleurs, l’adagio de sa cinquième symphonie est devenu un gimmick du drame depuis son utilisation dans ce film.

My Summer of Love (2004) de Pawel Pawlikowski (UK) Note: ***
Avec Natalie press (Mona), Emily Blunt (Tamsin) et Paddy Considine (Phil)

Mona vivote dans un bled paumé de l’Angleterre profonde, auprès de son frère Phil, qui tient un café. Un beau jour, celui-ci découvre la vraie foi et se mue en prédicateur du Christ. Mona s’évade et rencontre Tamsin, une riche héritière, un peu livrée à elle-même dans la grande maison de ses parents. Une grande histoire d’amour va bientôt unir les deux filles, presque seules pour le temps d’un été.
Cinéaste d’origine polonaise élevé au Royaume-Uni, Pawel Pawlikowski a livré avec My Summer of Love une magnifique romance estivale, d’une grande beauté plastique tout en recueillant l’héritage du cinéma social anglais.

Naissance des pieuvres (2007)

de Céline Sciamma (Fr)
Avec Pauline Acquard (Marie), Adèle Haenel (Floriane) et Louise Blachère

« En assistant à un spectacle de natation synchronisée, Marie, 15 ans, a une véritable épiphanie. Elle développe une obsession pour cette étrange discipline. A moins que ce désir n'en cache un autre, plus souterrain, pour cette fille, la star des nageuses, Floriane... »
Sur ce film plastiquement superbe et tout en émotions rentrées, j'ai écrit un article auquel je vous renvoie.

Pas de repos pour les braves (2003)

d’Alain Guiraudie (Fr)
Avec Thomas Suire, Laurent Soffiati et Thomas Blanchard

« D’abord, il y a Basile Matin, un jeune gars qui a rêvé de Fafatao-Laoupo, le symbole de l’avant-dernier sommeil. Maintenant, Basile sait que s’il dort encore il va mourir… Ensuite, il y a Igor, un autre jeune gars qui travaille un peu et fait vaguement des études… Ensuite, il y a Johnny Got. Un peu journaliste bénévole, un peu détective et pas mal voyou, il s’intéresse beaucoup aux histoires qui ne le regardent pas… »
En fait, Pas de repos pour les braves est un film irracontable, foutraque et sublime. On a parlé de « western aveyronnais », mais c’est encore trop réaliste, par rapport à ce film complètement hors norme. Jamais Guiraudie n’avait bénéficié d’un tel budget, et hélas le film s’est pris une grosse claque ; c’était trop expérimental. Alain Guiraudie est le plus étrange phénomène de la galaxie des cinéastes gays français.

Les Roseaux sauvages (1993)

d’André Téchiné (Fr)
Avec Gaël Morel (François), Élodie Bouchez (Maïté), Stéphane Rideau (Serge) et Frédéric Gorny (Henri)

Printemps 1962, dans une petite ville du Sud-Ouest. François, Serge et Henri sont internes au lycée de garçons. La guerre d’Algérie se termine et Henri, jeune pied-noir, est empli de colère. François doit affronter son homosexualité, titillée par les jeux ambigus de Serge, qui lui en pince pour Maïté, laquelle est attirée et dégoûtée à la fois par Henri.
Évidemment, il s’agit d'un des meilleurs films de Téchiné, aux images d’anthologie, dans lequel le cinéaste a approché au plus près la grâce et les emportements de l’adolescence. Au départ, c’était un film de commande d’Arte, puis c’est devenu ce que Téchiné a fait de plus personnel.

Le Secret de Brokeback Mountain (2005)

d’Ang Lee (États-Unis)
Avec Jake Gyllenhall (Jack) et Heath Ledger (Ennis)

Été 1963, Wyoming. Deux jeunes cow-boys, Jack et Ennis, sont engagés pour garder ensemble un troupeau de moutons à Brokeback Mountain. Isolés au milieu d'une nature sauvage, leur complicité se transforme lentement en une attirance aussi irrésistible qu'inattendue. A la fin de la saison de transhumance, les deux hommes doivent se séparer. Ennis se marie avec sa fiancée, Alma, tandis que Jack épouse Lureen. Quand ils se revoient quatre ans plus tard, un seul regard suffit pour raviver l'amour né à Brokeback Mountain.
Que n’a-t-on pas écrit sur ce film ? On oublie souvent de préciser qu’il s’agit d’un mélo hollywoodien de facture ultra classique, certes déchirant, mais qui a les limites de ses qualités.

Les Témoins (2007)

d'André Téchiné (Fr)
Avec : Michel Blanc (Adrien), Johan Libéreau (Manu), Emmanuelle Béart (Sarah) et Sami Bouajila (Mehdi)
« Années 1980. Manu débarque à Paris, où il partage la chambre de sa soeur Julie dans un hôtel modeste. Il fait la connaissance d'Adrien sur un lieu de drague homosexuel et noue une amitié chaste avec ce médecin quinquagénaire un rien désabusé. Ce dernier lui fait rencontrer Sarah et Mehdi, un couple qui vient d'avoir son premier enfant. Adrien bouleverse l'existence des uns et des autres, jusqu'au moment où l'épidémie de SIDA tombe comme un couperet au milieu de leur existence. »
Sur cette tragédie faussement réaliste j'ai écrit ceci.

Le Temps qui reste (2006)

de François Ozon (Fr)
Avec Melvil Poupaud (Romain), Valéria Bruni-Tedeschi (Jany) et Jeanne Moreau (Laura)

Romain, jeune photographe trentenaire et homosexuel, apprend un jour qu’il est atteint par un cancer foudroyant et qu’il ne lui reste que quelques mois à vivre. Sans rien dire à personne, il envoie sa vie en chandelle, incapable de cohabiter avec cette idée de la mort imminente. Seule sa grand-mère, Laura, saura l’aider à trouver le chemin de la paix intérieure.
Avec ce film à petit budget, au caractère intimiste, François Ozon a réalisé ce que je considère comme son meilleur film avec Regarde la mer. Ce que je trouve particulièrement fort est que le cinéaste ne cherche jamais à nous apitoyer sur son personnage, qu’il n’a pas hésité à rendre par moments très antipathique. On ne ressort pas indemne d’une telle expérience de cinéma, et je trouve étonnant que cette oeuvre sombre n’ait pas été au moins déconseillée au moins de douze ans.

Truman Capote (2006)

de Bennett Miller (Etats-Unis)
Avec Philippe Seymour Hoffman (Capote) et Catherine Keener (Nelle Harper Lee)

Capote raconte ce moment crucial de la vie de l’écrivain Truman Capote, qui a transformé un brillant prodige littéraire en un chroniqueur réaliste d’un horrible crime, relaté dans In Cold Blood, son livre le plus célèbre.
Tout le monde a célébré la performance d’acteur de Philippe Seymour Hoffman, qui campe un Capote ultra proche de l’original. On en a un peu oublié à quel point le film est intéressant dans sa façon de disséquer la relation vampirique entre un écrivain et un meurtrier en attente de l’échafaud. Il y a aussi un vrai travail sur les lumières et les ambiances, qui en fait un film spectral et ténébreux.

La Ville dont le prince est un enfant (1994)

de Christophe Malavoy (Fr)
Avec Naël Marandin (Servais), Clément Van den Bergh (Souplier) et Christophe Malavoy (l’Abbé de Pradts)

Adapté d’une pièce d’Henri de Montherlant, La Ville dont le prince est un enfant raconte l’amitié passionnée de deux élèves d’un collège catholique, Servais, 14 ans, et Souplier, de deux ans son cadet. Autant Servais est un élève brillant et estimé, autant Souplier est comme en retrait du monde, et dotée d’une nature lascive. Souplier fascine aussi l’Abbé de Pradts, qui ne supporte par l’immixtion de Servais dans sa relation passionnelle pour le jeune écolier. Une lutte s’engage entre le prêtre maléfique et l’adolescent révolté.

Cette adaptation télévisuelle réalisée par Christophe Malavoy est plutôt une bonne surprise, aidée par un beau travail sur les décors et les ambiances, et par des acteurs remarquables. Le DVD dispose d’une richesse de bonus absolument remarquable.

En attente :

Ander (2009) de Roberto Caston

Drôle de Felix (2000) d’O. Ducastel et J. Martineau

J'ai tué ma mère de Xavier Dolan (2009)

Torch Song Trilogy (1988) de Paul Bogart
Et tant d'autres !

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"Les Témoins" de Téchiné (échange de vues)

Publié par Joannic Arnoi Lundi, 4 Juin 2007

Johan Libéreau

J'ai vu Les Témoins d'André Téchiné il y a deux mois maintenant et cela restera, avec Le Lieu du crime et Les Roseaux sauvages, comme l'un de mes films préférés d'un réalisateur dont je connais presque tous les films. J'ai trouvé le travail sur les couleurs, les lumières, les visages, les sons, absolument magique, et j'ai un énorme faible pour Johan Libéreau (que j'avais déjà vu dans Douches froides d'Anthony Cordier) et pour Emmanuelle Béart. J'ai en outre un désagréable sentiment d'identification au personnage joué par Michel Blanc, même si je suis plus jeune...

Des esprits vifs ont été décus par les nombreuses invraisemblances du film. Ainsi Emmanuel:
"la semaine dernière,
les témoins.
téchiné.
[...]
tout faux, je trouve.
sida express,
comme un aller retour en une poignée d'heures, de paris à l'ariège.
des références en trop,
de la crème chantilly qui gâche le goût, un film meringué, alors que je m'attendais à un sablé..."
"l'idée du film est de faire un flash back sur la découverte du sida.
crois tu qu'en un an, tout se soit ainsi organisé , crois tu que même à l'époque, on mourait en quelques mois d'un kaposi pas très fidèle ?
que michel blanc le héros ait tout créé ?
qu'on puisse faire l'aller retour pour l'ariège en une demie journée ?
c'est tout de même un peu incohérent, non ?
que le père ait eu affaire avec l'algérie, comme ça, entre la pâté et la mort ?
et que sais je encore ?
et cette scène du mourant courant encore vers son jardin de drague préféré ?
[...] hop, comme ça, l'affaire est dans le sac.
remake piteux de brokeback mountain.
tout de même, téchiné est tout de même bien placé pour en connaître un minimum sur le sujet, non ?
j'ai trouvé ça drôle, tellement c'était stupide et sonnait faux."
y avait-il besoin que le flic cocu soit bisexuel et beur ? n'est ce pas un peu trop ?

Je peux me tromper, mais il me semble que Téchiné n'a jamais eu cure de la vraisemblance. Son cinéma semble réaliste, mais en fait il ne l'est pas. J'ai l'intuition que ses idées de situations sont abstraites. Il fonctionne par tableaux qui montrent des relations, des allégories. Ses histoires sont souvent creuses, ou abracadabrantes, ou schématiques, parce que ce n'est pas un raconteur d'histoire. C'est quelqu'un qui spécule sur des interactions entre des personnages. Il leur faut un décor, une succession de scènes. Son cinéma est un théâtre déplacé.

Johan Libéreau en Manu foudroyé

En l'occurrence, je m'étais dit que Les Témoins était une tragédie qui condensait un certain nombre d'aspects des années 1980-1990, mais que Téchiné se moquait de reconstituer l'époque, car, ici comme ailleurs, il se fout de la reconstitution historique. Il la traite par dessus la jambe, par quelques détails, ici les chansons comme "Marcia Baïla", les extraits de JT; dans Les Roseaux sauvages il y avait les slips kangourous (et encore, ils n'étaient pas du tout d'époque); les costumes dans Les Égarés. Mais les personnages des Roseaux avaient des comportements et des vues qui n'étaient pas du tout "années soixante", sans parler des invraisemblances autour de Gaspard Ulliel dans Les Égarés (je m'en tiens délibérément aux films qui sont censés évoquer le passé).

Mais Téchiné est nul en histoire. Ou plutôt : il s'en fout. Il revisite des périodes clés de sa vie (la petite enfance sous l'occupation, l'adolescence pendant la guerre d'Algérie, la maturité dans les années 1980) et projette sur elles sa sensibilité d'ici et maintenant. Ce qui l'intéresse, il me semble, c'est d'offrir une certaine texture picturale (un cadre) à une situation de rencontre entre des êtres humains rêvés, ou "abstraits". Seule la rencontre, conflictuelle, amoureuse, etc., n'est pas abstraite. Et pour la faire vivre, il faut un minimum de réalisme, et des acteurs qui donnent de la vie au tableau. Il est très fort pour faire exploser la vie par ses acteurs.

Je suis bien d'accord que le statut fictionnel des personnages est peu crédible. Au reste, celui d'Emmanuelle Béart n'est pas du tout "des années 1980", car il n'y avait pas encore eu ce boum des écrivains pour enfants qu'on a connu peu après. Et la découverte du SIDA remonte à bien plus tôt. Dès 1982, quand j'avais 14 ans, j'ai lu des choses sur le "cancer gay" dans Le Matin de Paris et Libération. Les dates du film sont beaucoup trop tardives. En 1986-1987, les choses étaient bien plus installées que ne le suggère le film. C'est que tout y est archétypal. Michel Blanc est médecin de pointe et gay et très affranchi, et il se trouve là pour s'occuper de Manu. Les relations entre le "flic-beur-bi qui n'a aucune hésitation à nouer une liaison avec un jeune homme" et le médecin jaloux, c'est du théâtre, rien que du théâtre. Pareil pour l'amitié entre les personnages d'Adrien et de Sarah, c'est un truc qui nous est donné, on ne sait pas d'où ça vient ni où ça va, c'est un mystère. En fait, c'est parce qu'ils vont témoigner après, chacun à leur façon, qu'ils sont amis, alors que les deux "actifs" sont mort (Manu) ou cramé (Mehdi). Il y a les gens dans la vie (ceux que j'ai appelé les actifs) et ceux qui la contemplent ou l'accompagnent, mais restent un peu en marge, au moins à certains moments.

Bref, je suis totalement d'accord avec la critique d'Emmanuel sur l'invraisemblance du film, sauf que j'ai essayé de suggérer que ce n'était pas le problème de Téchiné (ni le mien, ici, par voie de conséquence). Quand il s'agit d'art, faut-il ne se préoccuper que du fond. C'est la cohérence interne d'un projet qui m'intéresse, y compris s'il n'a rien à dire sur notre monde, sur notre passé, sur notre société, ou que sais-je. En l'occurrence, Les témoins n'a rien à dire sur notre histoire du SIDA dans les années 1980 comme succession de moments, de peines, de peurs, de réconforts. Il la passe à la centrifugeuse et ne retient que l'idée de tragédie qui fait mourir avant l'âge une sorte d'ange, bouleversant ceux qui l'entourent, les nourrissant aussi. Et cette tragédie a plusieurs tableaux qui correspondent à des moments, lesquels sont assez peu historiques, sans parler de leur difficulté à faire un récit.

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